RESIDENCIAS CHANGARRITO en Mexic-Arte Museum, Austin,Texas. Aplica ahora para participar! Juan Zabala Castro participa junto al Changarrito en el penúltimo mes del 2024. Conócel@!
El proyecto
Changarrito es fundando en el 2004 por el artista Máximo González, quien lo
concibe como una plataforma alternativa para promover, apoyar, actuar y exhibir
el trabajo de artistas visuales, escritores, poetas, curadores, diseñadores,
performers, cineastas, etc.
Qué es el Changarrito:
Fiel a la misión del Museo Mexic-Arte, el Changarrito se
dedica a la presentación y promoción del arte latinoamericano y latino
contemporáneo. Los artistas tendrán la oportunidad de vender su arte en el
carrito de Changarrito frente al Museo (o en un lugar externo, como
representante del Museo durante varios festivales de arte de Austin) mientras
se quedan con el 100% de las ventas. El compromiso de tiempo es de cuatro días
en dos fines de semana, sábado y domingo de 12:00 a 15:00 horas.
Presentando el componente virtual de Changarrito:
A partir de la primavera de 2020, el Museo Mexic-Arte agregó
un componente virtual a la residencia de artistas de Changarrito, lo que
permite a los artistas de Changarrito no solo exhibir sus obras de arte en el
carrito de ventas de Changarrito, sino también a la audiencia de Facebook e
Instagram del museo durante el mes. Se lleva a cabo la residencia de artistas.
Los artistas elegidos mostrarán sus obras de arte, crearán
publicaciones de videos y fotos, venderán sus obras de arte y nos guiarán a
través de su proceso artístico durante todo el mes, a través de la cuenta de
Instagram del Museo Mexic-Arte y la cuenta de Facebook.
Aplica aquí: Solicitud de residencia Changarrito
(Nota importante: esta convocatoria es exclusiva para Changarrito de Mexic-Arte Museum, Austin, Texas, Estados Unidos. Cualquier duda contacta a los datos del Museo)
IG museo: @mexic_arte
Facebook: Mexic-Arte Museum
Web: Mexic-Arte Museum
E-mail: info@mexic-artemuseum.org
IG changarrito méxico: @changarritoenaccion
Un poco sobre Juan
Juan Zavala Castro es un
artista multidisciplinario que trabaja en San Antonio, Texas. Nació y creció en
Coahuila, México, hasta los 12 años. Gran parte de su obra refleja su pasado y
observa una conexión cultural ahora distante. Juan es educador en el Museo de
Arte McNay y ha trabajado en educación artística durante los últimos 9 años.
Declaración de Juan
“Mi obra es una
autoreflexión de la cultura, la duda y el instinto. Hago las obras de manera
intuitiva, sin saber cuál será el resultado final. A medida que la obra se
desarrolla, creo una narrativa a través del simbolismo que hace referencia a
obras maestras, experiencias pasadas y mi propia identidad”.
Presentación: únete a nosotros en el Changarrito con Juan Zabala Castro quien estará justo afuera de la entrada del Museo (TBD). ¡Ven a Mexic-Arte a apoyarle y preguntar sobre su trabajo!
Entrevista en vivo en Instagram del Museo– TBD a las 5 p.m.
Estás invitado al evento Changarrito Instagram Live del Museo Mexic-Arte con Juan, que se llevará a cabo virtualmente a través de la cuenta de Instagram del Museo @mexic_arte , Luisa Fernanda Pérez curadora de exposiciones y directora de programas del Museo Mexic-Arte, facilitará el evento virtual con una serie de preguntas dirigidas al artista, incluida una sesión de preguntas y respuestas que se llevará a cabo durante los últimos 20 minutos del evento.
Acerca de BAT Printmaking
Society
Angélica Romo nació en
Chicago y asistió a la Universidad de Texas Permian Basin, donde recibió una
licenciatura en Artes en 2020. Actualmente es candidata a una Maestría en
Bellas Artes en la Universidad de Texas en San Antonio como artista
multidisciplinaria. Su trabajo abarca medios como el grabado, la fotografía y
los nuevos medios. El trabajo de Romo expresa la rabia femenina y se esfuerza
por crear conciencia sobre el feminicidio, el abuso doméstico y el abuso
infantil.
Andrea Izaguirre nació en
Caracas, Venezuela, en 2008 se mudó a los EE. UU. para realizar sus estudios
superiores y actualmente es una artista radicada en San Antonio, Texas. Se
graduó en 2011 de San Antonio Community College con un título asociado en
Diseño de Ilustración Digital y actualmente está cursando su Licenciatura en
Bellas Artes en la Universidad de Texas en San Antonio (UTSA) con una
concentración en Grabado. Su trabajo abarca desde diferentes métodos de grabado
hasta trabajo en cuero, costura y esculturas de técnica mixta. Actualmente se
encuentra en su tercer semestre de una pasantía en Democratizing Racial
Justice, donde está explorando los problemas socioeconómicos que afectan a su
país de origen a través del arte del grabado. Durante su tiempo en UTSA, Izaguirre
ha estado involucrada con la Printmaking Society desempeñándose como presidenta
de 2022 a 2023 y bajo su liderazgo, el club de UTSA ha sido parte de
exhibiciones grupales, intercambios de portafolios y ha realizado eventos con
museos locales como McNay's College Night. En 2023, Izaguirre exhibió su
trabajo en La Malinche: exposición estudiantil con jurado del Museo de Arte de
San Antonio y en la 19.ª Exposición Anual con Jurado Universitario en el Museo
de la Liga de Arte de San Antonio. Formó parte de la exposición colectiva de la
BAT Printmaking Society en Dock Space Galley, y dos de sus grabados fueron
seleccionados para formar parte de la Asociación de Escuelas de Arte de Texas,
Artnovation, una exposición estudiantil en línea. Además, Izaguirre recibió una
Mención Honorífica en la 39.ª Exposición Anual con Jurado Estudiantil en la
UTSA.
Claribel Olivas es
una grabadora originaria de Odessa, Texas. Es una estudiante candidata a la
maestría en bellas artes inscrita en la Universidad de Texas en San Antonio con
una concentración en grabado. Actualmente, Claribel trabaja como asistente de
docencia y de laboratorio en el programa de grabado de UTSA. También es asesora
de posgrado de la BAT Printmaking Society, un club extracurricular que ofrece a
los estudiantes oportunidades de exposición y venta. El trabajo de Claribel
abarca tanto el grabado tradicional como el trabajo experimental con textiles.
Las imágenes de su obra combinan formas humanas y animales amalgamadas con
patrones decorativos y formas orgánicas. Con estas imágenes surrealistas,
aborda temas de introspección y conflicto interno que se manifiestan físicamente
a través de los diversos motivos visuales que emplea.
Leticia “Leti” R. Molina es
una artista que actualmente vive en San Antonio, Texas. Siendo originaria del
centro de Texas, donde el arte en sí tiene una gran presencia, recibe una gran
influencia de la comunidad artística circundante para seguir en su carrera
artística. Practica varias formas de arte no solo por la influencia cultural de
ser mexicoamericana de primera generación, sino también como una forma de
sobrellevar la situación a través de la expresión creativa a lo largo de su
vida debido a que nació con problemas de audición. Como no pudo expresar
intereses y pensamientos correctamente a través de traducciones orales a una edad
temprana, la expresión a través del arte se ha convertido en una forma de
comunicación con los demás para ella. El arte de Molina tiende a mostrar la
presencia del Art Nouveau, el Romanticismo, las anormalidades, la moda
histórica, las normas desafiantes y los traumas relacionados con la herencia
mexicana, pero también define la admiración por las raíces más profundas de la
cultura mexicana. Junto con composiciones de figuras y no figuras que tienden a
seguir con el lado derecho más expuesto que el lado izquierdo para simular cómo
debe alterar su postura y la mayoría de sus interacciones de vida para
adaptarse con respecto a escuchar el mundo que la rodea.
Declaración de las artistas
Angélica Romo: trabaja con la teoría abyecta de la rabia femenina y su relación con la mujer
abyecta. En su aplicación, Romo sigue la crítica de Barbara Creed a la visión
patriarcal mítica de que una “mujer es aterradora no porque esté castrada sino
porque castra”. Subraya cómo el mundo interactúa con el útero y su capacidad de
menstruar como la fuente del dolor, el trauma y la rabia de las mujeres. Estas
son las representaciones que hacen de las mujeres “lo otro”, “lo abyecto”,
simplemente porque menstrúan. Las mujeres son invalidadas por una sociedad que
cuestiona su rabia y su trauma, pero nunca se pregunta si así es como se crean
las villanas. Las mujeres se ponen de pie, contraatacan y toman su espacio.
Andrea Izaguerre: mi trabajo
refleja una conversación entre la naturaleza y el yo, explorando temas de
identidad y cultura a través de la geometría y estructura intrínsecas de las
plantas y los insectos y su metáfora e iconografía. Quiero transmitir el viaje
que emprendemos para convertirnos en artistas desde el punto más bajo de la
duda sobre uno mismo hasta el punto culminante de crear un trabajo del que uno
se siente orgulloso, algo que lucho por equilibrar la vida como artista y
madre. Me inspiro en los artistas que me precedieron en mi familia, la
arquitectura de la naturaleza y la forma en que se estructuran, combinando su
geometría orgánica con los significados que se encuentran en su simbolismo.
Espero que el espectador pueda reconocer e identificarse con la idea de la
metamorfosis y lo que cada una de esas etapas representa en la vida del
artista. Este es un proyecto que seguirá expandiéndose a medida que evolucione
como persona, artista y madre.
Claribel Olivas: Mi obra
abarca tanto el grabado tradicional como el trabajo experimental con textiles.
La adopción de la calidad reproductiva de técnicas como la litografía y la
serigrafía me permite crear un vocabulario visual que se extiende a lo largo de
mis piezas. Los patrones y formas orgánicas recurrentes en mi obra crean
motivos reconocibles. Estos motivos visuales a menudo se combinan con formas
humanas y animales amalgamadas. Con esta combinación de diseño y forma
biomórfica, exploro temas de introspección y conflicto interno. Estos
sentimientos privados a menudo se expresan "físicamente" en forma de
diseños similares a intestinos que se mueven libremente a lo largo de la
composición.
Leti Molina: actualmente está estudiando en la Universidad de Texas en San Antonio para completar su Licenciatura en Bellas Artes después de transferirse del Austin Community College, donde completó su título de Asociada en Bellas Artes. Espera continuar su educación para lograr una Maestría en Bellas Artes para seguir construyendo su portafolio de arte y actualmente está trabajando en piezas para presentar en futuras Exposiciones de Arte. Mientras tanto, durante el proceso de completar su Licenciatura, tiene como objetivo buscar y terminar una Especialización en Estudios Latinoamericanos. Al pasar por este viaje de completar su Licenciatura, tiene el impulso de incursionar en temas actuales relacionados con los mexicano-estadounidenses, como: apropiación cultural insensible, rasgos culturales no saludables dentro de la comunidad, problemas complejos de identidad, discriminación hacia aquellos con discapacidades físicas y mentales y nuevas perspectivas para aceptar la muerte. Además, muestra evidencia de una investigación profunda desde dentro de la cultura para hacer conexiones más saludables sobre dónde han comenzado las raíces de la cultura y generar un alivio para estar orgulloso de la identidad latina y sus vínculos con sus predecesores. Incluyendo la creación de una comprensión del pasado para encontrar una forma de reconocimiento para tener una base sobre dónde crecer, sanar, qué mantener en el presente, dejar atrás a medida que pasa el tiempo y encontrar ayuda del pasado para tener consuelo en qué creer para el futuro.
Acerca de Carolina
Carolina Yáñez es una
artista multimedia tejana de Austin, Texas. Trabaja principalmente con
fotografía para explorar ideas sobre la cultura y la política tejanas, el
lugar, las cuestiones de género, las enfermedades mentales y cómo se relacionan
entre sí. Actualmente, Yáñez asiste a la Southern Methodist University en
Dallas, Texas, donde cursa una maestría en Bellas Artes.
Declaración de Carolina
“Soy una artista multimedia
tejana de 21 años de Austin, Texas, que actualmente reside en Dallas. Trabajo
principalmente con fotografía para explorar ideas sobre la herencia tejana, la
identidad de género y las enfermedades mentales. Otros temas que aborda mi
trabajo son la identidad femenina, los estándares de belleza y las
intersecciones políticas de la identidad tejana. Actualmente asisto a la
Southern Methodist University y estoy cursando una maestría en bellas artes en
estudio.
Mi trabajo se ha exhibido en
la Muestra Bianual de Arte de la Asociación de Estudiantes del Museo de Arte
Blaffer, en la sección Práctica Contemporánea '21 del Centro de Fotografía de
Houston, en The Art of Awareness: A Community's Self-Portrait of Immunization
Health, en The Big Show del Centro de Arte Lawndale, en Alta Arts, Sawyer Yards
y en Hardy and Nance Studios. He aparecido en las revistas VoyageAustin y
Canvas Rebel.
Capto retratos, arquitectura, paisajes y cualquier otra cosa que ilustre la belleza del mundo. Mi trabajo me permite expresar mi mente creativa, explorar el mundo que me rodea y compartir el arte de la fotografía con los demás. Mis intereses se expresan a menudo a través de procesos alternativos de fotografía, como cianotipos y fotogramas, así como telas y textiles, a menudo combinados con narraciones y escritos para hablar sobre el trauma familiar y la curación entre generaciones. Además de mis conceptos actuales, la idea de sostenibilidad y accesibilidad son temas que tengo en cuenta al producir mi arte. Practico la sostenibilidad tratando de minimizar el exceso tanto como sea posible y tratando de aprovechar los materiales usados o encontrados en lugar de producir otros nuevos. La idea de accesibilidad también es importante para mí porque creo que el arte debe ser accesible para todos, independientemente de la raza, la clase o las dolencias físicas ".
Sobre Ariana
Originaria de Austin, TX,
Ariana Gomez recibió su Licenciatura en Bellas Artes del Instituto de
Tecnología de Rochester en 2010. Ha pasado los últimos doce años en la ciudad
de Nueva York trabajando comercialmente como tecnología digital en sesiones de
fotos, así como gerente de estudio para un fotógrafo de bodegones.
Recientemente, Gómez regresó a casa para obtener un título de posgrado de la
Universidad de Texas en Austin en su programa de arte de estudio centrado en
fotografía y acaba de completar su primer año.
Su proyecto actual está en
progreso mientras navega en la dirección y el sentimiento. Gómez está
explorando la idea del hogar como un mito o una idealización que existe
únicamente en el pensamiento. La idea de hogar es fuerte, está arraigada en
cada una de nuestras psiques como algo idealista: un lugar que anhelamos, por
el que nos esforzamos o que respaldamos en nuestras identidades culturales,
espirituales o políticas. A menudo, se convierte en toda nuestra identidad,
asumida por nuestra necesidad de crear un espacio que sea totalmente nuestro.
Entonces, ¿qué le sucede al yo cuando la idea de hogar se conecta con un
sentido de identidad e inevitablemente el mito se pone en duda?
Gómez ha estado explorando
aspectos de su identidad a través de la fotografía durante los últimos cinco
años. Comenzó con un proyecto titulado The Blue of Distance (un homenaje al
ensayo homónimo de Rebecca Solnit) en el que profundizaba en la muerte de su
padre, una figura de su vida que no entendió del todo hasta que lo perdió. Ella
comenzó a personificar su identidad a través del paisaje de Texas, buscando y
dragando la tierra caliente para vislumbrarlo. En esta búsqueda, su propio
sentido de identidad se puso en duda y comenzó a recorrer el paisaje desértico
en busca de un mínimo vistazo de sí misma. Este proyecto culminó en un único
libro de artista hecho a mano: un pequeño monumento y recordatorio de su padre,
ese espejismo del desierto.
Gómez ahora explora la
tierra, la tierra y sus recuerdos para comprender dónde y qué considera su
hogar. Sólo al regresar al lugar de su nacimiento se dio cuenta de que el hogar
es una idealización y fusión de cada recuerdo y experiencia a la que elegimos
aferrarnos. El hogar existe como lo haría un mito; afirmación poderosa,
repetida y colectiva. Las fotografías de Ariana Gómez existen dentro de este
ámbito liminal. Cuestiona la idea de que el hogar, como paisaje, existe en la
realidad. Más bien, existe en el espacio entre la realidad y la abstracción.
Declaración de Ariana
“Mi madre habla de plantas.
Para ella, somos creados con raíces que serpentean hacia la tierra profunda y
oscura, insertándose como venas en nuestros corazones, en nuestras almas. Para
ella, este es su verdadero hogar. Todos tenemos un alma en casa. Y el suyo
nunca ha sido Texas.
Mi madre fue desarraigada.
El hogar de su alma es Puerto Rico, el lugar que sólo recuerda cuando era niña
cuando todo es imponente y los colores son los más vívidos. Sus raíces se
desgarraron cuando abordó un avión a los ocho años y nunca regresó. Habla de
vidas no vividas en el exuberante mundo acuático donde prosperó por última vez.
Mi padre habló de Dios. Para
él, Texas era el país de Dios y no podía haber otro lugar en el mundo más
importante. Texas era el hogar de su alma. Murió aquí, habiéndose arraigado
completamente en el suelo semiárido.
Hablo de yuxtaposiciones e
inserción. Mi madre y mi padre ahora ocupan existencias paralelas en el tiempo
mientras yo me inserto en sus recuerdos, dragando la tierra caliente para
vislumbrar su vida juntos. Solía pasar
mi tiempo sólo
buscando a mi padre. Sin embargo, mientras buscaba a mi padre en el paisaje desértico, encontré a mi madre intentando arraigarse en
esta tierra extraña.
Ella intenta, y fracasa, todos los días
arraigarse en el suelo densamente poblado del paisaje de mi padre, el paisaje
de sus hijos, lo que percibe como su hogar. A través de este descubrimiento,
subconscientemente nos he vinculado a los tres a través del lugar, del tiempo,
de la memoria; una trinidad de búsqueda. Al pensar en la abstracción del hogar
que tenía mi madre, he llegado a entenderla como agua, que fluye libre y
abundantemente en mi vida. Como agua, es estable pero poderosa, silenciosa pero
atronadora. Sumergida en el agua, está entera y tranquila. He llegado a ver a
mi padre como las consecuencias de una tormenta en tierras ahogadas por la
sequía. Pero mi madre es el ojo de esa tormenta; el que nos cimentó y creó una
vida dentro del caos. Su equilibrio es la fuerza que guía todas mis decisiones
en la toma de imágenes y es casi imposible encontrar uno sin el otro.
Como observador insertado, ¿dónde encajo yo? ¿Cuál es mi lugar en este vasto mar de memoria entre dos paisajes yuxtapuestos y hacia dónde se extienden mis raíces? A través del proceso de búsqueda, exploro estas preguntas con la fotografía y me ubico dentro de los dos paisajes como un puente. Somos tres: pasado, presente y futuro; una trinidad de fe en la tierra, en el hogar, en la identidad. Sólo en esta tríada podré comprender la relación de mis padres con sus hogares arraigados y el mito que puede surgir de mi versión del hogar. El hogar es la idealización de la tierra muy real que busco todos los días. Es la identidad a la que me ato para enraizarme en la tierra. Es la memoria diluida que fluye a través de los zarcillos de mi mente, buscando el suelo al que puedo llamar hogar”.
¡Esta es America! / Tinta
negra sobre papel moneda circulante / 15,59 x 6,63 cms. / 2023.
Sobre el
artista
Rafael Blando es un
fotógrafo que durante los últimos doce años ha visitado y fotografiado más de
treinta países. Actualmente explora el lenguaje visual a través de la
apropiación y recontextualización de diversos objetos encontrados en viajes y
mercadillos. Utiliza la fotografía y un escáner comercial como medio principal
para esta exploración, junto con la intervención del papel moneda. Sus
fotografías están incluidas en varias colecciones privadas como el ITESM Campus
Laguna y el Museo Regional de la Laguna. Nació en la Ciudad de México en 1982.
Se recibió de Ingeniero en Sistemas Electrónicos del Instituto Tecnológico y de
Estudios Superiores de Monterrey; durante ese tiempo tomó un taller
extraescolar de fotografía. En 2019 cursó el posgrado de Profesionalización de
las Prácticas de las Artes Contemporáneas (DIPPRACC) en el Centro de Artes
Visuales de la Universidad Autónoma de Coahuila. En 2022 participó en el
Festival Fotoseptiembre organizado por el Centro de la Imagen con la exposición
“Sedimentación de residuos”. En 2021 fue seleccionado en la Trienal de Tijuana:
I. Arte Pictórico Internacional y expuso junto a 142 artistas de 13 países en
el Centro Cultural de Tijuana (CECUT). En 2018 fue invitado a una exposición
individual en Foto-Coahuila y Festival Internacional de las Artes Julio Torri
con la obra titulada “Horizontes”. Ha expuesto su obra en museos como el Museo
de la Moneda del Banco de México (2019) en Torreón, México; Ex Convento del
Carmen (2012) en Guadalajara, México y Museo Regional de la Laguna (2011) en
Torreón, México. En 2017 fue nominado a “Lunas del Auditorio” por su
colaboración con el documental “Mi tierra”. Del 2015 al 2017 publicó crónicas
de viajes ilustradas en la revista “Siglo Nuevo” del diario “El Siglo de
Torreón”.
Declaración del artista
“Actualmente me interesa la
construcción de la imagen y la latencia de su significado. Encuentro especial
interés en conceptos como identidad nacional y memoria colectiva y cómo ambos
se relacionan dentro de los discursos hegemónicos presentes en la iconografía
de lo que utilizamos como valor de cambio.
Además de la fotografía, me
interesan las posibilidades pictóricas de nuevos lenguajes visuales para mí,
como: el grabado, el dibujo, el collage y la intervención del papel moneda. Mi
trabajo opera dentro de los intersticios ubicados entre el lenguaje visual y lo
que denominamos realidad; es dentro de estos espacios huecos donde entrelazo
aproximaciones a la realidad y donde se forman los primeros rastros de
identidad.
Nací en la Ciudad de México, pasé mi infancia en el Centro Sur de México (Guadalajara) luego emigré al Norte (Torreón) en mi adolescencia. Por circunstancias económicas y sociales emigré más al norte para trabajar, y desde entonces he trabajado en Estados Unidos dentro del territorio mexicano; con todos los beneficios y conflictos que esto conlleva. Mi viaje personal ha sido un choque entre dos ideologías, Norte versus Sur, que intentan mediar en la formación de una identidad; mi trabajo es el subproducto de esa conciliación”.
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Dunas / Fotografía digital / 11in x 14in / 2021 (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre la artista
Crisa Valadez es artista, escritora y curadora radicada en San Antonio, TX. Actualmente trabaja para el Departamento de Arte y Cultura de la Ciudad de San Antonio y es una apasionada del arte y el trabajo sin fines de lucro, habiendo trabajado y sido voluntaria en varias organizaciones locales como Texas Public Radio, McNay Art Museum, Centro San Antonio, Gemini Ink, y más desde temprana edad. Es mejor conocida por su trabajo curatorial como cofundadora y ex codirectora de MOTHERLING, un colectivo de galerías de bricolaje dirigido por mujeres dedicado a destacar a artistas emergentes y subrepresentados. Anteriormente asistió al Instituto Pratt de Escritura Creativa y actualmente es estudiante en la Universidad Our Lady of the Lake, donde completó su Licenciatura en Artes Visuales y Nuevos Medios. Espacios Sagrados fue una exposición concebida originalmente para su Seminario de Exposición 2021.
Declaración del artista
“Mi trabajo es a menudo abstracto y de mal humor. Tiendo a fotografiar en blanco y negro, y lo prefiero al color. Busco explorar los paisajes de intimidad y aislamiento a través de la fotografía. Inspirándome en el misticismo y el minimalismo del desierto, así como en las prácticas fotográficas dadaístas en blanco y negro, intento unir ambos centrándome en temas que representan paisajes reales y metafóricos formados por los cuerpos de las personas más cercanas a mí. El trabajo resultante incorpora mis propios puntos de vista sobre la intimidad y la vulnerabilidad dentro de rituales personales más profundos. Creo trabajos que buscan trazar, tanto literal como figurativamente, los viajes que realizamos en tiempos de profunda introspección”.
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Libertadora, Fotografía digital, 8×12, 2022. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre Pico:
Pico del Hierro-Villa es un
Queer Fronterizx que recientemente recibió su maestría en Estudios Chican@/x en
la Universidad de Nuevo México. Criados en El Paso y luego mudándose a
Albuquerque, Nuevo México, encontraron la belleza de contar historias entre los
mayores Queer y aquellos que nunca tuvieron la oportunidad de presentar
públicamente sus historias. El modo de su arte e investigación se basa en
recopilar testimonios y fotografiar a personas Queer y Trans Latinx, lo que
captura una multitud de experiencias LGBTQ+, un método que llaman
fotografímonios. El propósito de su trabajo no solo es honrar la identidad Q/T
Latinx, sino también elevar las luchas políticas Queer y Trans y proporcionar
narrativas posteriores que contrarresten las percepciones negativas de las
comunidades Queer y Trans. La fotografía de Pico ha sido publicada en la
Universidad de Nuevo México, revistas académicas latinas, revistas, plataformas
en línea y ha sido exhibida en museos de arte contemporáneo en Albuquerque,
Nuevo México.
Declaración de Pico:
“Influenciada por la teoría y el arte de las feministas chicanas, interpreto los enfoques críticos de las feministas chicanas para crear un método de narración visual basado en la resistencia. El trabajo de oposición de las feministas chicanas, destinado a elevar narrativas y comunidades pasadas por alto, me llevó a crear su método artístico para representar historias de comunidades queer y trans latinx en el suroeste a través de narrativas visuales. Creo en brindar información intelectualmente accesible con sus fotografías y trabajos que es fundamental para generar solidaridad y conciencia para las comunidades de color Queer y Trans, específicamente los mexicanos/chicanxs”.
Sobre la artista
Celeste De Luna es una
artista/grabadora originaria del bajo Valle del Río Grande del sur de Texas.
Celeste es una grabadora autodidacta cuyo trabajo incluye grabados en madera a
gran escala e instalación de telas. Educadora desde hace más de 15 años en escuelas
públicas y educación superior, es una entusiasta cocinera casera. La receta de
pastel de toronja de Celeste fue publicada en el libro “Don't Count the
Tortillas” de Adán Medrano y ella aparece en su película de 2021 Truly Texas
Mexican abogando por la comida tradicional, los vendedores ambulantes y la
cultura tejana. Actualmente vive en San Antonio, trabaja en el estudio de su
casa, Metztli Press, y enseña en Northwest Vista College. “Una verdadera hija
de las tierras fronterizas, su arte celebra lo cotidiano y lo excepcional en la
frontera”, escribe la profesora de estudios indígenas Inés Hernández-Ávila.
Celeste ha recibido residencias, becas y subvenciones de Vermont Studio Center,
ArtplaceAmerica, Blade of Grass, Santa Fe Art Institute Artist Residency y, en
2022, mostró su trabajo en Vancouver, Canadá.
Declaración de la artista
Mi práctica artística
profundiza en experiencias individuales y colectivas, entrelazando los ámbitos
de los entornos físico, espiritual y psíquico. Dentro de esta exploración,
exploro las dinámicas de poder, examinando la interacción entre personas, animales,
espacios domésticos y el amplio paisaje de Texas, un espacio que resuena con
diversas identidades y narrativas, también conocido como Tejas. Inspirándome en
la naturaleza, los encuentros culturales y la ciencia ficción, mi visión
artística abarca el futurismo y ofrece una lente única a través de la cual ver
estas relaciones y entornos complejos. Basándome en mis propias experiencias
vividas, incluidas las relacionadas con el TDA, la salud mental y el cuidado de
personas, canalizo mis experiencias encarnadas en mi trabajo.
El telón de fondo de Texas, con su infraestructura distintiva, ha moldeado profundamente mi navegación a través de diversos entornos, tanto física como emocionalmente. A través de mi trabajo, pretendo preservar e ilustrar las huellas de este impacto, arrojando luz sobre temas como el deseo humano intrínseco de escape y movimiento, las cuestiones feministas y fronterizas, así como mis preocupaciones sobre el medio ambiente y nuestro futuro colectivo.
Sobre el artista
Richard A. Greene es un
artista visual y organizador que vive y trabaja en Austin, TX. Su trabajo
incorpora el grabado experimental a la escultura, enfatizando el módulo a
través de azulejos vidriados y materiales encontrados. Su trabajo ha sido
expuesto en el Flatbed Center for Contemporary Printmaking, el Visual Arts
Center de la Universidad de Texas en Austin y el ICOSA Collective.
Recientemente fundó Greenhouse , un espacio de arte alternativo centrado en
artistas emergentes. Greene trabajó como becario de Risograph y pasante de
Print Studio y apareció como orador en SXSW EDU 2022. Recibió su BFA en Studio
Art de la Universidad de Texas en Austin en 2023.
Declaración del artista
Mi práctica artística
utiliza mi historia personal como punto de partida para explorar temas de la
edad adulta joven y las relaciones económicas. La naturaleza tensa e incierta
de salir de la adolescencia refleja la experimentación con materiales modulares
y lo doméstico en mi trabajo. Estos a menudo van de la mano con mis métodos de
investigación y reutilización de materiales, mientras llevo una instalación a
través de varias iteraciones durante su vida útil en términos de exhibición,
mensaje y disposición.
Mi uso material de azulejos y serigrafía sirve para conectar mi trabajo dentro de esta constelación temática más amplia de grabado e instalación escultórica. Mi enfoque principal rehace las superficies de muebles y accesorios domésticos, promoviendo el discurso y la contención dentro de la pieza y su existencia. Considero que la rica historia de los artistas queer y de instalación que me precedieron es una fuente de inspiración para los matices y la comunicación, basando mis arreglos en la mayoría de edad y todas sus formas.
Sobre el artista
Hailey Marmolejo nació y
creció en San Antonio, Texas, donde su pasión por el arte comenzó a florecer
desde temprana edad. Siguiendo sus ambiciones creativas, decidió especializarse
en Bellas Artes y estudiar Español en la Universidad St. Edward's en Austin,
TX, y trabajó como pasante en el Museo MexicArte y la Galería La Peña.
Buscando nuevas perspectivas
artísticas, Hailey viajó para estudiar pintura en la Universidad de Antonio de
Nebrija en Madrid durante un semestre. Armada con su título de Licenciatura en
Bellas Artes, Hailey se dirigió a la ciudad de Nueva York, donde continuó
pintando y participando en el arte callejero. Mientras tanto, también trabajó
en el Museo de Arte de Brooklyn, sumergiéndose aún más en el mundo del arte
En 2020 Hailey regresó a San
Antonio y se dedicó a su práctica artística a tiempo completo. Hailey ha
producido murales en toda la ciudad de San Antonio y sus obras de arte se han
exhibido en varias galerías, museos y empresas en Nueva York, Texas y Nuevo
México.
Declaración del artista
“Mi trabajo es un testimonio del espíritu de la mujer tejana y de la belleza y fuerza del paisaje que ella encarna. Si bien la flora nativa, como el agave y el nopal, es encantadora y elegante, también es increíblemente dura y resistente, capaz de sobrevivir en ambientes hostiles. De manera similar, mi arte captura la dualidad de estas plantas mediante el uso de colores brillantes y vibrantes que se mezclan con líneas atrevidas y contrastantes, lo que da como resultado obras de arte que son a la vez delicadas y feroces. A través de mi trabajo, muestro las complejidades y contradicciones de su propia identidad y el paisaje y la cultura del sur de Texas que la han moldeado”.
Sobre el artista
Juan de Dios Mora nació en
Yahualica, México. En 1998, su familia emigró a los Estados Unidos. En 2009,
recibió una Licenciatura en Bellas Artes con énfasis en Pintura y una Maestría
en Bellas Artes con especialización en Grabado en 2011. Adquirió ambos títulos
de la Universidad de Texas en San Antonio (UTSA). Hasta el día de hoy, trabaja
en el departamento de arte de UTSA como profesor asistente de arte.
Mora se concentra en la
técnica del grabado en relieve para crear narrativas de experiencias
mexicano-estadounidenses. Sus experiencias viviendo a lo largo de la frontera
(Estados Unidos y México) proporcionan un despertar de conceptos sociales y
políticos que influyen fuertemente en sus ideas artísticas, estéticas y
conceptuales.
Mora ha sido incluida en
exposiciones en Estados Unidos, México y Japón. Los lugares que presentan su
trabajo son el Museo McNay; Museo Nacional de Arte Mexicano, Chicago, IL; Museo
de Arte de El Paso, El Paso, TX; Museo de Arte de Ciudad Juárez, México; y
Museo Municipal de Kioto, Japón.
Las instituciones que han
adquirido su obra incluyen el Museo de Arte Jordan Schnitzer, Oregón; Museo
McNay, San Antonio, Texas; Universidad de Hawaii en Hilo, Hilo, HI; Museo
Nacional de Arte Mexicano, Chicago, IL; Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington,
DC.
Declaración del artista
“He vivido en un pueblo
fronterizo (Laredo, TX) donde diferentes culturas chocan y, sin embargo,
expresiones y emociones se fusionan. Sin embargo, aquí en Estados Unidos, sus
tradiciones, racismo y estereotipos me han presentado a la realidad de ser un inmigrante
en un país diferente.
Trabajando de manera representativa y a veces con lo surrealista, retrato imágenes de la vida, la iconografía y las creencias del típico mexicoamericano. Mi objetivo es unir a las personas, con temas sentimentales, satíricos, sarcásticos y cómicos. Espero evocar la autoconciencia y luego superponer esa conciencia a las experiencias de la vida”.
Sobre la artista
Lisa es una artista visual y
diseñadora de Houston, Texas. En 2019 finalizó su maestría en estudios de
diseño en el Centro de Diseño, Cine y Televisión. Tiene más de cinco años de
experiencia como directora creativa y 10 años como diseñadora e ilustradora.
Como artista, su trabajo se basa en sanar el trauma generacional y la identidad
cultural de la comunidad chicanx, e identificar lo que se pierde para nuestra
cultura durante el proceso de asimilación a la cultura blanca dominante.
En el verano de 2019, siguió
los pasos de su abuela desde México hasta la frontera con Estados Unidos para
pintar murales en memoria de las 283 personas que fallecieron cruzando la
frontera en 2018. Su trabajo ha sido incluido en la Biblioteca del Congreso en
Washington DC, y Ha estado involucrada en festivales de murales y diseño
alrededor del mundo, incluyendo el London Design Festival, Barrio Vivo en la
Ciudad de México y Futura Morelia. En 2020, lanzó Reverse Assimilation, un
podcast + proyecto de arte multimedia que examina la descolonización de la
identidad chicanx a través del diálogo y el arte.
Declaración del artista
“El arte me permite conectar
caminos: desde establecer una intención hasta la formación de palabras que
recuerdan a huesos y cuchillos, surgiendo colores. Soy un puente de Texas a la
Ciudad de México. Mi largo viaje desde el diseño gráfico hasta la ilustración y
la dirección creativa me ha ayudado a dar forma a mi trabajo como artista
visual.
He pintado murales en
memoria de los inmigrantes que han perdido la vida en la frontera, y he
dedicado la práctica de mi trabajo a investigar la identidad chicanx en los
Estados Unidos, tanto en la opresión como a través de lo que se ha perdido en
nuestra forzada o asimilación elegida. Creo en la transformación hacia un nuevo
sistema que escuche y preserve la voz de quienes, avergonzados, mantienen en
silencio sus sueños y ambiciones. Por eso creo: para devolverle la dignidad a
mis raíces”.
Sobre el artista
Mauro Murillo nació en Coahuila, México y se mudó a San Antonio, Texas en 1995. Durante la escuela secundaria, disfrutó del programa de arte SAY Sí, donde exploró la creación de arte en diferentes medios, incluidos grafito, carbón, aluminio, papel maché, papel picado, y otros. Mientras Murillo cursaba un título asociado en diseño de comunicación en San Antonio College, comenzó a cambiar su enfoque hacia las bellas artes, especialmente debido a una clase de dibujo en particular donde se inspiró a considerar el arte como una carrera. Después de graduarse a principios de 2020, su pasión por el arte se fortaleció cuando comenzó a pintar con pintura acrílica sobre lienzo. Murillo tuvo su primera exposición individual, Personajes Mexicanos, en 2021. Su obra ha sido expuesta en la UNAM San Antonio Texas, el Instituto Cultural Mexicano San Antonio Texas, el Instituto de Cultura Hispánica Corpus Christi Texas y The Union Houston, Texas.
Declaración del artista
“Pinto figuras icónicas de la Revolución Mexicana, la época dorada del cine y otros temas de la cultura mexicana. Mi inspiración para pintar estos temas proviene de cuando era un niño pequeño viendo películas mexicanas en blanco y negro en la casa de mis abuelos y escuchando a mis abuelos hablarme con entusiasmo sobre la Revolución Mexicana. La intención de mi trabajo no es sólo abrazar y apreciar nuestra cultura sino también invocar un sentimiento de nostalgia y memoria en el espectador.
Sintiendo el ventilador de
techo, 2″ x 3″ 6′, óleo sobre lienzo, 2020.
Sobre el artista
Emily Bryn es una artista de
tiempo completo recién graduada, nacida y criada en Austin, Texas. Es la
propietaria de Emsbrynart, LLC, donde diseña e imprime a mano imágenes sobre
inmigración y derechos queer, reasignando una parte de las ventas a sus propias
comunidades. Cuando no está imprimiendo serigrafía, está en Deep Eddy, leyendo
un libro o explorando nuevos medios creativos. Mientras opera su negocio,
continúa buscando oportunidades de aprendizaje creativo en su ciudad natal, y
recientemente ha sido honrada como Artista en Residencia de Future Front para el
próximo año 2023-2024.
Declaración de artista
Al crecer como una niña mexicana, queer, en un hogar multigeneracional, siempre he tenido una necesidad insaciable de aprender más sobre las mejores maneras en que puedo cuidar de las comunidades a las que pertenezco. Siempre quise emular tanto el apoyo que me mostraron como el apoyo que siempre anhelé. Debido a que siempre he honrado tener un cuidado tan profundo e innato dentro de mí, he crecido para recopilar, documentar y preservar aspectos de mi vida que trato como efímeros con los que puedo trabajar. Independientemente del medio elegido, mi trabajo tiende a estar unido mostrando pruebas de vida, emociones, pensamiento y, a veces, mundanidad. Encuentro inspiración en la prueba de existencia, ya sea la marca en una silla cuando te levantas después de estar sentado o los restos en el fondo de una taza de café. Dibujo mucho de una multitud de artistas diferentes y sus respectivos medios, como los fotógrafos Ryan McGinley y Nan Goldin, la ilustradora Laura Callaghan, la escultora Liz Magor, etc. Todo lo relacionado con la documentación, la preservación y la existencia me intriga y me lleva a poder crear a tiempo completo y sin cansarme.
Portrait of Gael in a Yellow Cap, 9″x12″, Oil on
canvas, 2022.
Sobre el artista
Esteban Miguel Guerra es un
pintor mexicano-estadounidense que vive y trabaja en Austin, TX. Nacido en San
Antonio en 1975, Esteban descubrió el arte a una edad temprana y pintó y dibujó
con frecuencia, para luego estudiar de forma independiente el trabajo de
pintores famosos. Esteban obtuvo una licenciatura en Matemáticas de la
Universidad de Texas en Austin y un doctorado en Derecho de la Facultad de
Derecho de la Universidad de Saint Mary mientras continuaba dibujando y
pintando. Durante este tiempo, Esteban recibió instrucción artística en la
Southwest School of Art en San Antonio y en la Contemporary Austin – Art School
en Austin, TX. Después de trabajar en finanzas, Esteban decidió dedicarse al
arte a tiempo completo. Actualmente está inscrito en ACC en Austin, TX,
estudiando arte de estudio y planea transferirse a un programa de BFA en arte
de estudio en el otoño de 2023.
Declaración del artista
Mi nombre es Esteban Miguel Guerra y soy un pintor mexicano-estadounidense que vive y trabaja en Austin, TX. Para mi trabajo me inspiro en el mundo que me rodea, las diversas formas, tanto naturales como creadas por el hombre, a las que trato de imbuir de ánima. Mis trabajos anteriores evocan una sensación de grabados tradicionales japoneses. Las pinturas están llenas de formas aplanadas: pájaros, flores y figuras representadas en colores saturados, unidos por líneas simples. Mis representaciones de la forma humana luchan por lograr una sensación de meditación o contemplación pacífica en el tema. El arte en sí es psicológico, una lucha por capturar un sentimiento de paz en la pintura. A nivel técnico, mi trabajo va evolucionando en el conocimiento y tratamiento de la luz y la sombra. Los colores se infiltran en la oscuridad y las formas que pueblan el espacio se vuelven más escultóricas.
Sobre la artista
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Sobre el artista
Alán Serna es un artista de
medios mixtos de Huanusco, Zacatecas, MX, que ahora vive y trabaja en San
Antonio, TX. En 2018, Serna obtuvo su Maestría en Bellas Artes en Intermedia de
la Universidad de Kentucky y una Licenciatura en Bellas Artes en Grabado en
2015 de la Universidad de Texas en San Antonio, donde actualmente es Profesor
Asistente de Grabado y Dibujo. Serna es cofundadora y maestra impresora de
Feral Editions, una editorial independiente de impresiones de bellas artes,
libros de artista y efímeros.
Declaración del artista
Mi práctica se centra en los
procesos que facilitan el intercambio de narrativas, incluidos el grabado
tradicional, los efímeros producidos en masa y la videografía. Muestro y
recompongo fotos de archivos familiares, fotografías de teléfonos inteligentes
y capturas de pantalla para hacer una crónica de las narrativas de inmigración
personal y política de mi familia. A través de mi práctica, toco aspectos de mi
crianza binacional, mi relación con el trabajo y sentimientos simultáneos de
nostalgia y desplazamiento.
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| La Dama , 12″x 14″, técnica mixta, 2022. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum) |
Sobre la artista
Crecí en Austin, Texas, rodeada de muchas expresiones de arte diferentes. Tomé mi primera clase de grabado durante mi primer año de secundaria y se ha convertido en una pasión total. Quiero seguir estudiando grabado y arte en la universidad. Apliqué a un par de escuelas de arte y hasta ahora me aceptaron en Savannah College of Art and Design. Sentí una desconexión de mis raíces mexicanas mientras crecía, pero me uní más a mi herencia y cultura durante mi paso por la escuela secundaria. Especialmente este año, durante mi último año de secundaria, quería expresar la belleza y la comodidad que encontré en mis raíces al dedicar mi carpeta de Diseño AP 2D a las raíces y cultura mexicanas en Texas. En los últimos dos años me he vuelto más activo en el activismo y algunas de mis piezas más nuevas expresan eso. Quiero seguir completando más piezas como esas. Mi primera vez en una exhibición será en MAS Cultura Fest 2022, contará con mis piezas “La Dama” y “El Movimiento Chicano en Texas”. Esas piezas también se incluirán en el número cuatro de la revista Bluekeys, una pequeña publicación de Austin.
Declaración de la artista
Recientemente, mi trabajo artístico se ha dedicado a ayudarme a expresar y explorar mi identidad como tejana y chicana. Mi trabajo se centra en aspectos culturales únicos como las tarjetas de Lotería y el Mal De Ojo, al mismo tiempo que discuto temas sociales que han impactado a la comunidad latina, como la gentrificación. Mis piezas: “La Dama”, “El movimiento chicano en Texas” y “La sombra de la gentrificación” llevan al espectador a un viaje a través de la creatividad, el coraje y la perseverancia de la comunidad latina. Las tres piezas tienen una cualidad maximalista; cada uno hace su propia declaración sin decir demasiado. Tan pronto como se realiza un elemento o declaración, descubre otra pieza del rompecabezas. Además, todas las piezas incluyen un aspecto de Texas. “La Dama” incorpora una foto de mi amiga Grace Sorensen, una cantante mexicana-estadounidense de RnB de Austin, Texas. “El Movimiento Chicano en Texas” toma fotos históricas de eventos que sucedieron en Texas para contar la historia de un movimiento social por la igualdad de derechos. “La sombra de la gentrificación” usa una referencia de un negocio propiedad de latinos en Austin, Texas, para ilustrar la lucha constante por el desplazamiento debido a la gentrificación. Cada pieza involucra a Texas, pero el tema más amplio puede relacionarse con una amplia variedad de personas. Después de crear estas piezas, me siento más conectado con mi identidad como un todo, me siento completo. Deseo crear más piezas con relevancia política porque me siento más cómodo con mi capacidad de expresar mis pensamientos a través del arte en lugar de las palabras. Para trabajos futuros, me gustaría entrevistar a diferentes latinos y crear obras basadas en sus experiencias. También me gustaría continuar con obras como “La Dama” y crear una serie para incluir a diferentes artistas. En general, quiero que los espectadores de mi trabajo reflexionen más profundamente sobre las experiencias de los demás para volverse más conscientes.
Torre Sutro , 24″x 36″,
Serigrafía, 2022.
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Sobre el artista
Stephen Longoria es un tejano que actualmente vive y trabaja en Japantown San Jose, CA. Sus enfoques incluyen el grabado y la serigrafía, así como la carpintería, la soldadura y otras formas de fabricación. A través de la serigrafía, muestra sus ilustraciones y piezas de técnica mixta.
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Las Trenzas, 18″x 24″, oil on canvas, 2022. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum) |
Sobre la artista
Alejandra González Zertuche (n.
1997 en Coahuila, Mx.) emigró a Texas y desde entonces ha recitado en el centro
de Texas, hasta 2022 cuando se mudó a la costa este. Alejandra es una pintora
figurativa que se inspira en su herencia mexicana e historias familiares. Su
trabajo es parte de la colección permanente de la Universidad Estatal de Texas
y fue parte de la exhibición Student Juried Exhibition donde su trabajo fue
seleccionado como el mejor de la exhibición (2022). Su trabajo también ha sido
exhibido a nivel nacional en galerías. Alejandra recibió su BFA en Studio Art
con una concentración en pintura de la Universidad Estatal de Texas (2022)
Declaración de la artista
Me enfoco en representar la experiencia inmigrante en los Estados Unidos, a través de escenas de resiliencia y valentía. Mi obra de arte es un archivo constante que se nutre de historias personales. Gran parte de mi trabajo son pinturas que recuerdan el viaje y la vida después de llegar a una nueva tierra. Mientras muchos tratan de asimilarse, otros tratan de hacer de sus comunidades pequeños rincones del hogar que dejaron atrás construyendo negocios y marcando un camino para las generaciones futuras. En mi trabajo, utilizo fotografías y dibujos como fuente para crear pinturas al óleo sobre lienzo que revelan los entornos banales y realistas que experimentan las mujeres y los hombres de mi comunidad. Uso el espacio y la escala para explorar los momentos que parecen más grandes que la vida para involucrar al espectador en un lugar en el que quizás nunca se encuentre. Estos espacios evocan sentimientos de esperanza, alienación, y en algunos un pedazo de consuelo. Mis temas a menudo se representan con franqueza y se representan de manera realista en una escala mayor que crea una intimidad con el espectador. En mi práctica, a menudo incorporo fondos de colores brillantes y finos lavados de pintura. Disfruto dejando marcas que sugieran el proceso y la historia de la pintura. Presento mi trabajo como una tercera cultura que aún se está formando y reconociendo. Pretendo que las personas se vean representadas y que los demás vean una perspectiva diferente del mundo que compartimos. A través de mi trabajo, creo un comentario consciente y un informe de mi testimonio visual sobre la transformación, la esperanza y la supervivencia en los Estados Unidos. A menudo incorporo fondos de colores brillantes y finos lavados de pintura. Disfruto dejando marcas que sugieran el proceso y la historia de la pintura. Presento mi trabajo como una tercera cultura que aún se está formando y reconociendo. A través de mi trabajo, creo un comentario consciente y un informe de mi testimonio visual sobre la transformación, la esperanza y la supervivencia en los Estados Unidos.
Padre 36″x 48″, acrílico y óleo
sobre lienzo, 2021.
Sobre el artista
Más conocido por su nombre
artístico, Toto, Jorge Flores-Pere nació en Los Ángeles, California en 1995,
pero ahora vive en Houston, Texas. Su primera experiencia como artista fue como
curador en 2016. Jorge organizó una muestra grupal anual llamada "El
elefante en la habitación" que muestra el trabajo de artistas de toda la
zona. Continuó haciendo esto durante tres años creciendo cada año y obteniendo
el reconocimiento de su periódico local como una visita obligada. Luego cambió
su atención a su propio trabajo tratando de perfeccionar su oficio. Jorge se
especializa en la pintura de retratos trabajando principalmente con acrílicos y
óleos, capturando la historia de los individuos cotidianos con cada pincelada.
Ha trabajado con Carlos Cruz-Diez creando un mural en el corazón del centro de
Los Ángeles y ha mostrado su trabajo tanto a nivel nacional como internacional.
Jorge ha tomado cursos en la
Escuela de Arte Glassell en Houston y actualmente está estudiando Arte en la
universidad de la ciudad de Pasadena con la esperanza de continuar su carrera y
transferirse a una universidad grande el próximo año.
Su mayor influencia ha sido la
cultura de su familia. Viniendo de ascendencia guatemalteca y cubana, su
enfoque ha sido poner a las personas de color en el centro de atención. Dado
que el mundo del arte está representado principalmente por personas blancas, el
objetivo de Jorge es permitir que las personas de su comunidad compartan su
historia. Declaración del artista: “Recuerdo ir a museos y no poder conectarme
con el trabajo porque no me veía a mí mismo en las piezas. Mi objetivo es
cambiar esa narrativa y mostrar que hay más artistas latinoamericanos además de
los grandes nombres como Frida Kahlo y Diego Rivera. No solo somos un elemento
básico en la historia, sino que también estamos increíblemente presentes en el
mundo de hoy”.
Declaración del artista
Primero me atraen las historias.
Las historias lideran todo lo demás en mi proceso artístico. Mi alter ego, Toto
the Elephant, proviene de una historia que aprendí sobre elefantes que se
mantienen y utilizan para el entretenimiento. Desde muy pequeños, los elefantes
son atados con cuerdas y cadenas para evitar que escapen. Incluso cuando crecen
y pueden liberarse, no lo hacen; se han acostumbrado tanto a las cadenas que no
se dan cuenta de que tienen la capacidad de liberarse. Están atados mentalmente
a pesar de que ya no están atados físicamente. Me atrae esta idea, de darse
cuenta de la capacidad de uno mismo para expresarse más allá de los límites
físicos y mentales. El personaje del elefante me permite trabajar fuera de mí,
sacarme de la narrativa. La eliminación del yo permite más vulnerabilidad, más
objetividad,
Mi trabajo es principalmente a gran escala, figurativo, en óleo o acrílico. Cada sujeto, cada persona, tiene su propia historia, por lo que cuando pinto a alguien por primera vez, dejo que su historia guíe el resto del proceso. Su historia es el comienzo de la pieza. Otras veces, tomo obras o imágenes preexistentes de artistas blancos conocidos y reelaboro las piezas para cambiar la narrativa hacia y/o sobre las personas de color. Creo una nueva historia. Como artista de ascendencia cubano-guatemalteca, con artistas de ambos lados de mi familia, disfruto trabajar en proyectos directamente dentro de mi comunidad: pintura mural, impartir talleres y educación artística en las escuelas, proporcionando materiales de arte siempre que puedo. Me gusta el sentido de comunidad y empoderamiento que viene con el arte. No creo que la gente tenga que entender completamente de qué se trata una obra de arte para sentirse conectada con ella de alguna manera. Se trata de la sensación que tiene alguien cuando mira la pieza. Se trata de lo que me impulsa en primer lugar: la historia. Hacer que alguien se sienta parte de la historia.
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Conexión, 30 x 24 inches, acrylic on canvas,
2019. |
Sobre la artista
Soy Diseñadora Gráfica y Artista,
nacida en los Estados Unidos y criada en México. Amante del arte y egresada de
la Universidad La Salle de la Ciudad de México. Estoy a punto de comenzar mi
Máster en Branding en LABASAD Barcelona School of Arts & Design,
Universidad de Lleida, centrándome en Branding. ¡Uno de mis primeros logros
después de graduarme fue trabajar en BAMF! Design, una agencia de consultoría
especializada en branding y packaging. Me mudé a Austin hace 5 años y
actualmente trabajo como Directora Creativa y Comunicadora Visual en el Museo
Mexic-Arte. Estoy fascinada con el arte y el entorno natural y construido. En
mi filosofía me inspiro en Ana Mendietta, Leonora Carrington, Dalí y Remedios
Varo.
Declaración de la artista
La mayor parte de mi trabajo
radica en la intersección entre mis raíces, la naturaleza, las visiones en mis
meditaciones de Kundalini y los sueños.
Durante estos últimos años, mis
sueños han ido revelando mi vida espiritual, personal y artística. Me he
permitido aprender de mi subconsciente, sabiendo que algo espiritual y mágico
se encuentra más profundo dentro de nosotros.
A través de este descubrimiento
de lo interno, he estado experimentando la proyección astral, y considero
esencial representar las visiones provenientes de estas experiencias
expandiéndolas a la realidad a través de la creación de arte. Como artista
inspirado en el surrealismo y el land art, abre las posibilidades de expresión
a una amplia variedad de nuevos conocimientos que se sintetizan a partir de
significados tanto ordinarios como trascendentes, con los que me siento cómoda;
y confío en tomar riesgos o experimentar diferentes formas de expresar y
comunicar mi pasión por el arte.
Desde los 5 años descubrí mi pasión cuando mi abuelo me regaló unas acuarelas, y desde ese primer contacto con la experiencia artística; Me enamoré expresándome a través de la creatividad. Mi objetivo artístico es perseguir la magia de transmitir mis visiones y sueños a través de diferentes medios, como la fotografía, el papel de mármol, el acrílico y últimamente el land art. Uno de los mensajes que me gustaría compartir es “somos creadores de nuestra propia realidad”. El arte es una manera de retratar mi realidad a los demás.
Sobre el artista
Mauro de la Tierra es un
mexicoamericano de primera generación de San Antonio; Pintor, escultor e
ilustrador autodidacta. Lo que comenzó con el arte callejero se convirtió en
lienzo y más allá. Con el apoyo de su comunidad y su mentor, Albert Gonzales,
ha trabajado por cuenta propia como artista a tiempo completo desde octubre de
2017. Mauro se considera hecho por la comunidad y está impulsado por la
comunidad. Su trabajo se enfoca en desafíos socioeconómicos y luchas
generacionales como el complejo industrial carcelario, la pobreza, las adicciones
y el deterioro de la tierra. Su trabajo captura un lado de la vida que a menudo
es vilipendiado e ignorado, al mismo tiempo que hace una declaración de amor
por la humanidad. Con el uso de pintura en aerosol, acrílico y pinturas al
óleo, Mauro crea texturas pesadas sobre lienzo en un estilo moderno y crudo de
expresionismo caprichoso, surrealista y abstracto.
En el mismo año en que Mauro se
lanzó al arte a tiempo completo, comenzó a liderar y colaborar con The Black
Sheep Collective, un grupo de extraordinarios artistas inadaptados del
bricolaje. Juntos han organizado seis exhibiciones y actuaciones en galerías
emergentes. Su trabajo hasta el momento se ha mostrado en varias revistas como
High Noon y galerías que incluyen la galería Kspace, la galería Clamplight y la
galería Presa House. Mauro también ha tenido tres exposiciones individuales y
se está preparando para que la cuarta se inaugure en Blk Wht GRY en marzo de
2023. Actualmente está trabajando en su cuarto libro de ilustraciones que será
una declaración audaz de las realidades de la adicción y la recuperación
nutritiva.
Declaración del artista
Mauro de la Tierra utiliza medios
como acrílico, pintura en aerosol, óleo, tinta, ilustración digital y papel
maché. Como hijo de inmigrantes, que creció en la pobreza, de la Tierra creía
que el arte solo estaba destinado a los niveles superiores de la sociedad. A
través de su propia exploración del arte, de la Tierra pudo desmantelar esa
noción dentro de sí mismo y usa su arte para llevar la misma conciencia a las
comunidades marginadas de entornos socioeconómicos similares. Mauro de la
Tierra es un firme creyente de que el arte es para todos los cuerpos, tiene el
poder de unir a todos y es un lenguaje de amor universal.
Incorporando el simbolismo
indígena, de la Tierra usa su arte para generar conciencia sobre temas urgentes
como el medio ambiente y el rápido declive de nuestro clima cultural. Si bien
de la Tierra hace declaraciones sobre temas generales, lo hace a través de una
lente profundamente personal al incluir sus propias luchas.
Sobre la artista
Maia Castillo es una artista
multimedia de Houston, Tx cuya práctica artística se basa en fotografiar una
porción de un mundo surrealista que se comporta como una metáfora de mis
experiencias y entorno.
Perfeccionando sus habilidades en
el cuarto oscuro húmedo mediante la creación de fotografías de paisajes
tradicionales en la escuela secundaria y los dos primeros años de la
universidad, su trabajo actual ahora consiste en trabajos experimentales
digitales y retratos. Usando su estilo comercial de diseño gráfico junto con su
fotografía de bellas artes, exploran temas de identidad, salud mental y fenómenos
sociales y ambientales.
Maia vino a Austin para sus
estudios universitarios en St. Edward's University y se graduó con una
licenciatura en Fotografía y Artes de los Medios y una especialización en
Diseño Gráfico en 2022. Actualmente residen en Austin, Tx, y son Digital Media
Associates aquí en México. Arte.
Han ganado dos premios ATPI, han
mostrado obras en la galería de arte Da Vinci en Tomball, Texas, y han estado
en la exposición de estudiantes con jurado en la galería de bellas artes de St
Edward dos años seguidos. Su presentación grupal más reciente fue en el
festival Mas Cultura en noviembre pasado.
Declaración de la artista
Jugando con lo surrealista y caprichoso mientras se crea un entorno exclusivo dentro del marco, mis imágenes tienen que ver con explorar lo que se puede ver e implicar. Usando diferentes medios en fotografía, como películas de formato medio, dslrs y procesos alternativos, manipulo las imágenes digitalmente o a mano para enfatizar aún más lo que se está retratando. Además, la creación de fotografías que muestran la progresión de mi mente mi trabajo me obliga a aceptar el tema que estoy explorando y cómo esto afecta a los demás. Disfruto empujando los límites de la autorrealización y la reflexión que los espectadores pueden tener. Mis imágenes son un acto de atención y, a cambio, reconocimiento de cómo y por qué se hicieron estas imágenes y cómo atienden al espectador. No tengo miedo de cambiar las imágenes o manipularlas para contar una historia.
Sobre el artista
Gerardo E. Silguero (primera
generación mexicano-estadounidense, n. 1994) es un artista contemporáneo cuyo
trabajo desafía la noción de Nepantla. Su trabajo ha sido exhibido
internacionalmente en los Estados Unidos y México. La obra de Silguero se
encuentra en las colecciones del Museo Mexic-Arte, Austin, Texas; Galería La
Peña, Austin, Texas; entre varias otras instituciones. Silguero recibió su BA
de la Universidad de St. Edward. Vive y trabaja en Austin, Texas. Silguero es
un artista que se representa a sí mismo.
Nepantla: Un concepto en la
antropología chicana y latina, el comentario social, la crítica, la literatura
y el arte que representa un concepto de “intermediación”. Nepantla es una
palabra náhuatl que significa “en medio de ella” o “medio”. Los pueblos indígenas
que fueron invadidos por los españoles crearon su propia cultura
"intermedia" donde dejarían atrás aspectos de su cultura que no
podrían sintetizar en la nueva cultura.
Declaración del artista
Como hijo de inmigrantes, crecí
como trabajador agrícola, viajando de estado en estado en busca de la próxima
cosecha, en busca del Sueño Americano. No importa el estado, siempre me sentí
diferente. Quizás fue mi tez bronceada, mi fuerte acento, el lunar en mi
lonchera Pokémon. Desafortunadamente, cuanto más me acercaba al estilo
americano, más lejos me sentía de mis raíces.
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Juan
Carlos Escobedo, Repisita Arguendera 12”x12”x6”, Cartón y Pintura Acrílica,
2019. |
Sobre
el artista
Juan
Carlos Escobedo (n. 1985 El Paso, TX) explora su identidad como un
mexicoamericano moreno criado en una comunidad de bajo nivel socioeconómico a
lo largo de la frontera entre EE. UU. y México. Su trabajo aborda la vergüenza
residual de clase y raza que surge de vivir en un Estados Unidos
predominantemente blanco estructurado que favorece a las personas de piel clara
y de clase media y por encima de las clases socioeconómicas. Aborda esto a
través de HouseMan Adventures y la indumentaria x J.ESC . También aborda su
experiencia como un hombre moreno queer a través de las cartas del Tarot Emoji
y los collages digitales de Fruity Men.
Escobedo
recibió su BFA de la Universidad Estatal de Nuevo México y MFA de la Facultad
de Arte y Diseño de Massachusetts. Su trabajo ha sido exhibido recientemente en
San Antonio en Blue Star Contemporary, Centro de Artes y The Southwest School
of Art; en Boston en MassArt X SOWA; y en Darmstadt Alemania en Darmstädter
Sezession para el Festival del Patrimonio Mundial. Su trabajo ha sido
reconocido a través de premios y subvenciones, incluida una subvención del
Fondo Colectivo de Futuros de las Galerías de Arte de la Universidad de Tufts:
la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales como consultor; una Beca Actos
de Confianza de la Asociación Nacional de Artes y Culturas Latinas; una beca de
desarrollo profesional de la Fundación de Artistas Luminaria; y una residencia
con Casa Lü en la Ciudad de México, México.
Declaración
del artista
Mi trabajo explora mi identidad como
una persona morena fronteriza de origen de clase baja en un mundo estructurado
predominantemente "blanco". He optado por mostrar obras seleccionadas
de la Serie “The Houseman”, “Cardboard by J.ESC”, y la Serie “Repisitas”. Estas
series exploran mis antecedentes como mexicano-estadounidense de clase baja,
vergüenza residual de clase/raza, falta de vivienda psicológica y liminalidad
(dependiendo de los trabajos discutidos).
El
denominador común que tienen todos estos objetos e imágenes es mi apuesta por
el cartón como material de elaboración. Esto se originó en la escuela de
posgrado, que era una institución predominantemente blanca, de clase media (y
superior) ubicada en Boston, MA, una marcada diferencia de la ciudad fronteriza
de habla hispana muy marrón de El Paso, TX. Comencé a usar este material por su
disponibilidad, practicidad y costo cero. A medida que lo usaba más, la gente
reaccionaba cuestionando demasiado su presencia, me animaba a erradicar su
identidad marrón o simplemente se ofendía. Algo por lo que no se analizó a los compañeros
que usaban materiales "tradicionales". De manera similar, durante mi
tiempo como estudiante de posgrado, mi identidad como una persona morena pobre
se encontró con reacciones similares al cartón: se cuestionó mi ciudadanía, se
me animó a disminuir mi "morenía", y la gente se sentía incómoda
hablando de mi origen socioeconómico. Esto puso mi identidad en perspectiva y
me obligó a diseccionar las implicaciones de mi presencia en espacios que
originalmente no estaban dirigidos a personas de mi entorno.
Como resultado, me sentí más decidido a usar este material. No solo porque es una sustancia creadora viable, sino porque su identidad está cargada de percepciones preconcebidas y características físicas similares a las mías. Es importante para mí usarlo como una estructura real e implícita para mi arte. Esto se debe a que las percepciones del material son paralelas a los fenómenos que discuto en mi trabajo. Finalmente, obliga a la audiencia ya mí mismo a analizar las percepciones de lo moreno y aceptar la riqueza de esta identidad.
La “Creación” de Brandy representa a una mujer negra, madre para todos nosotros, como este faro de esperanza. Se la muestra bañada en un resplandor dando a luz a un niño aún más radiante y poderoso. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre la artista
Brandy González nació y creció en
San Antonio, Texas. González completó su Licenciatura en Bellas Artes con
especialización en dibujo y una especialización en escultura de la Universidad
Metodista del Sur, donde recibió el "Premio Zelle" por mérito
artístico sobresaliente. Luego enseñó arte durante ocho años en el sistema de
escuelas públicas durante los cuales completó su Maestría en Educación
Artística de Texas Tech University y se graduó con un promedio de 4.0 en 2013.
En mayo de 2016, completó su Maestría en Bellas Artes también de Texas Tech
University con especialización en grabado con una secundaria en pintura.
Mientras asistía a TTU, recibió el premio "Quién es quién entre los
estudiantes de universidades y colegios estadounidenses" y el premio
"Horn Professors Graduate Achievement" por su trabajo en activismo
social a través de las artes. González también fue seleccionado para la beca
inaugural de impresión en Lubbock en Charles Adams Studio Project, una imprenta
local en el distrito de las artes. Allí impartió clases de grabado a la
comunidad y fue técnica de imprenta.
González ha estado en numerosas
exposiciones competitivas nacionales e internacionales. Su exhibición
competitiva más reciente es Art in the
Time of Corona. Un proyecto de arte
global que muestra obras de arte realizadas durante la pandemia organizado por
Dab Art Co. en Los Ángeles, California. Actualmente también se exhibe en Light
Art Space en Silver City, Nuevo México, como parte de la exposición Face Forward: Handmade Printmaking
and Photography by Women of Color .
También puede ver su trabajo en línea en humanrightsartexhibit.com como parte de
la exposición Examinando la intersección
del arte, los derechos humanos, la justicia social y los problemas ambientales.
González se encuentra en colecciones de museos y universidades, nacionales e
internacionales. Uno de los más notables es el Museo Nacional de Arte Mexicano
en Chicago, Illinois. También ha sido merecedora de numerosos premios y logros.
González fue profesora de arte en Lassen College ubicado en el hermoso pueblo rural de Susanville en el norte de California. Actualmente, ella y su esposo se mudaron a San Antonio, Texas, para estar más cerca de la familia, ya que su primer hijo cumplió 2 años en octubre. Es profesora de arte avanzado en Clark High School y profesora adjunta en Northwest Vista College para Pintura 1 y 2.
Sobre la artista:
Laura
Clay es una artista abstracta mexicano-estadounidense que vivió tanto en los
Estados Unidos como en México a lo largo de su vida. Con este viaje constante,
ha tenido la oportunidad de encontrar y abrazar muchos estilos de vida
diferentes, creencias contradictorias e influencias artísticas. Laura Clay
afirma que México le ha dado tradición, historia y pasión. Estados Unidos ha
proporcionado estructura, técnica y ambición personal. De México, ha llegado a
valorar la comunidad y la familia, de los Estados Unidos, la autosuficiencia.
Nunca ha sentido la necesidad de elegir entre culturas, ha aprendido a abrazar
la pluralidad de perspectivas y esta pluralidad tiñe todas sus aspiraciones y
metas, especialmente las que se relacionan con su arte.
Es
su deseo integrar en sus pinturas estas expresiones personales contradictorias
y complementarias. Al igual que su herencia mexicoamericana, no busca resolver
estos temas en sus pinturas, al contrario, pintar su multiplicidad de verdades.
Los
viajes y la búsqueda de la creación han sido constantes en su vida. Ella ha
“traducido” estos viajes y estudios en lienzos a gran escala, con un enfoque
abstracto en el color y el movimiento, así como pequeños dibujos detallados a
tinta.
Como
artista, su objetivo es no solo descubrir una mejor "interpretación"
de su expresión artística, sino también desarrollar su propio lenguaje
artístico único.
“Mirar
mis cuadros es como magnificar los pasillos de mi imaginación y mis emociones.
Muestran el vínculo vulnerable entre el cerebro y la mano, la lucha entre el
subconsciente planificado y el que fluye. Hay una batalla constante entre el
sueño y la realidad, orgánico versus geométrico, expresado en colores vibrantes
en lienzos a gran escala.
Aunque mi obra de arte es abstracta, representa mis luchas personales como hispana, estadounidense, femenina y joven cotidiana de esta generación. La única forma que conozco de expresar esto completamente es a través de la variación de pinceladas, la opacidad y la gama de colores”.
Sobre
la artista:
Karla
García, originaria de la frontera de Ciudad Juárez, Chihuahua, México y El
Paso, Texas, ahora reside en Dallas, Texas. Tiene una maestría en cerámica y
una certificación en educación en museos de la Universidad del Norte de Texas
(UNT) en Denton. Ha trabajado como profesora adjunta en Dallas College y como
educadora contratista para el Museo Contemporáneo de Dallas. Actualmente es
parte de un colectivo de arte con las artistas anteriores de Changarrito, Tina
Medina y Eliana Miranda.
Declaración
de la artista:
La migración es a menudo una necesidad para una vida mejor. Como individuos llevamos los recuerdos de nuestros hogares, amistades y nuestras propias historias únicas. Este cuerpo de trabajo es una continuación de mis exploraciones previas sobre la migración y la memoria. Mi trabajo tiene sus raíces en los paisajes desérticos de las ciudades en las que crecí en México y Estados Unidos. Las plantas de cactus se traducen en esculturas orgánicas hechas con arcilla terracota. Las formas escultóricas conectan la planta, el cuerpo y la tierra, varían en escala y representan recuerdos que han sido erosionados por el tiempo.
Sobre
el artista:
Rudy
Diaz nació en la zona fronteriza de El Paso y se mudó allí de forma permanente
con sus padres a la edad de 4 años. Asistió a la escuela de arte y se gana la
vida haciendo videojuegos. Rudy disfruta del dibujo y la escultura.
Declaración
del artista:
“Disfruto
creando cosas que hacen reír a la gente. Además, ¿por qué no asustarlos un poco
mientras estoy en eso? Trato de traer una sonrisa a mi propia cara al dibujar o
esculpir las cosas que disfruto. Con suerte, el espectador verá un poco de sí
mismo en mi arte”.
The Infinite Cage, Sumi ink, acrylic paint, gesso, and glazing medium on paper, 88” x 30”, 2019. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre
el artista:
Sandra
de la Rosa es una artista nacida en San Luis Potosí, México y criada en
Houston, Texas. Obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de
Houston en 2015 y su Maestría en Bellas Artes en 2019 en la Universidad de
Florida. Sandra ha exhibido su trabajo en Texas y a nivel nacional en
espectáculos que enfatizan la visibilidad de artistas de color, inmigrantes y
temas fronterizos.
Declaración
del artista
“Como inmigrante mexicana, experimento un espacio liminal donde me siento segura y expuesta al mismo tiempo. Esta experiencia liminal se manifiesta desde la ambigüedad e incertidumbre de vivir en los Estados Unidos como alguien con una identidad híbrida: mexicano, estadounidense, tejano, indocumentado, beneficiario de DACA, moreno, otro. Mi cuerpo de trabajo representa experiencias sentidas por inmigrantes, incluyéndome a mí. Ambos estamos rodeados y mantenidos fuera por muros metafóricos que crean un espacio liminal que se siente internamente. Estos espacios están relacionados con estructuras legales y sociales. Los espacios que habitamos son una contradicción: estamos tanto dentro como fuera. Gaston Bachelard describe el dialecto de dentro y fuera como sí y no. En su libro La poética del espacio, Bachelard afirma que la geometría creada por la asignación de lo que está adentro y lo que está afuera está teñida de agresividad porque su oposición formal es incapaz de estar a gusto. En mi cuerpo de trabajo, invito a los espectadores a investigar los paisajes y estructuras abstractos y mostrarles a través de mi lenguaje visual lo que experimento como inmigrante. Estoy aquí, pero también me mantengo metafóricamente fuera”.
Sobre el artista:
Jason Valdez nació y creció en McAllen, TX. Hijo de un mecánico diésel y una cantante clásica, creció en torno a una mezcla única de influencias artísticas e industriales. Cuando era niño, desarrolló una aptitud para el dibujo que ha permanecido con él durante toda su vida. Valdez obtuvo su Licenciatura en Bellas Artes en 2007 de la Universidad Panamericana de Texas y comenzó su carrera docente al año siguiente. En la primavera de 2017, obtuvo su Maestría en Bellas Artes de Texas A&M University-Corpus Christi. Actualmente, trabaja como profesor asociado de arte y director de galería en Victoria College.
Declaración
del artista:
“Habiendo crecido en una familia de clase trabajadora, mi arte investiga las similitudes entre los oficios vocacionales y las prácticas de las bellas artes junto con la ética del trabajo de cuello azul. Dado que los oficios y las bellas artes comparten una historia común de gremios y el sistema de aprendices, trabajo para cerrar la brecha entre estos dos conjuntos de habilidades al combinar materiales de arte tradicionales y no tradicionales. Utilizo cosas como aceite de motor usado, grasa y el reconocible trapo rojo en mi proceso de creación de arte. Me fascinan los principios de la clase obrera y utilizo el motor como símbolo de este espíritu. Admiro el hecho de que estos hombres y mujeres estén ahí afuera, llueva o truene, porque la gente depende de ellos para hacer el trabajo... Eso es lo que los convierte en ESE tipo. Mi proceso es tan importante como el producto terminado, ya que utilizo herramientas eléctricas y habilidades de carpintería para crear mis piezas. Al igual que el mecánico o el electricista, mi trabajo requiere que luche con cosas tangibles y problemas que puedan surgir mientras trabajo en el estudio”.
°°°
Eliana Miranda
(Primer
plano) Eliana Miranda, Patna, India , acrílico sobre panel de madera, 24 ″ x 46
″, 2021. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre la artista:
Eliana
Miranda es una artista visual que actualmente vive y hace pinturas en Dallas.
En 2010, completó su licenciatura en Hamilton College en Clinton, Nueva York.
Obtuvo su maestría en 2012 y una maestría en bellas artes en 2015 de la
Universidad de Dallas. En 2018 se convirtió en artista residente en el Centro
Cultural Goldmark, donde es curadora de la Galería John H. Milde y directora de
la Galería Norman Brown. Ha participado en numerosas exposiciones, entre las
que se incluyen los 500 años de historia de los latinoamericanos en la
Universidad Estatal de Idaho, Comentario contemporáneo: Voces en la atmósfera
sociopolítica actual en la Universidad Estatal de Wichita, Intersecciones en la
Universidad de Mujeres de Texas y la Bienal 600 de AMOA: Justicia • Igualdad •
Raza • Identidad en el Museo de Arte de Amarillo.
El
trabajo de Miranda es una exploración de los problemas actuales de la migración
humana. Investiga el impacto ambiental y sociopolítico del desplazamiento de
personas. Al interpretar estos temas a través de su propio vocabulario visual,
espera abrir estos temas a una discusión más amplia.
Declaración
de la artista
“Mi
trabajo explora la migración humana que resulta de desastres ecológicos como
inundaciones, huracanes, tornados, incendios forestales y terremotos. Me
inspiro en imágenes e historias de migrantes climáticos que se encuentran en
medios de comunicación como periódicos, revistas y artículos de Internet como
una forma de recordar las consecuencias de modificar el medio ambiente para
adaptarse a las necesidades de la sociedad.
Al
resaltar la complejidad de la migración climática humana, el dibujo y la
pintura se vuelven clave. Utilizo el color y la línea trazada como mecanismos
para subrayar las ramificaciones de nuestra huella ecológica y la naturaleza
transitoria de la vida humana. Utilizo patrones para subrayar el riesgo de
perder cultura en el proceso. Mi propósito es seguir contando estas historias a
través de mi propio vocabulario visual como una forma de llamar la atención y
provocar una conversación sobre este problema terrible y apremiante ".
Prophetic
Decay, Sculpture, 48" x 48", 2020.
Sobre
el Artista:
Robert
Riojas III es un pintor y escultor afincado en Houston, Texas. Todo su trabajo
consta de muchos materiales reutilizables. El único proceso unificador entre
todas sus piezas es la conexión del fuego. Al quemar, todo renace o se refina.
A lo largo de las cenizas, sus diseños evolucionan a partir de esta secuencia.
Declaración
del artista
“Mi
arte es una visión de restauración y regeneración de la condición humana
degradada. A través de la deforestación que se conecta a las emociones, la luz
aún brilla en un mundo distópico. Me concentro en capturar el viaje de una
persona que experimenta puntos de inflexión subconscientes en su vida. Al
incorporar historias y compartir sucesos pasados en
mis pinturas, aunque cada pieza es conceptual, distorsiono las formas para
lograr un efecto expresivo. Los colores vivos, las imágenes simbólicas, la geometría y los
temas de la vida real dan el significado detrás de un proceso emocional detrás
de cada creación. Como artista del romanticismo contemporáneo, creo que se
descartan muchas cosas en este mundo que es genuino y virtuoso. A medida que
recupero materiales, se reevalúa de inmediato ".
Yo
No Nací Para Aguantar A Nadie, Archival Pigment Print, 33” x 44”, 2020.
Sobre
la Artista:
Gabi
Magaly es un artista emergente nacida en Bryan, Texas. Magaly recibió su BFA en
fotografía en Sam Houston State University en 2015 y recibió su MFA en Artes
Visuales en la Universidad de Texas en San Antonio en 2020. Magaly ha expuesto
en exposiciones individuales en Satellite Gallery, Huntsville, TX; The Brick,
San Antonio, TX; Galería de la Casa Presa, San Antonio, TX; Casa Lu, Ciudad de
México. Sus numerosas exposiciones colectivas incluyen en Luis Leu Gallery,
Karlsruhe, Alemania; El Centro de Arte Cultural Guadalupe, San Antonio, TX;
Museo Masur en Monroe, Louisiana; Museo De Las Américas en Dever, Colorado; Ha
sido galardonada con dos premios CAMMIE de Blue Star Contemporary y Luminaria
Contemporary Cultural Center durante el Mes del Arte Contemporáneo 2020.
Trabaja predominantemente en el medio de la fotografía, pero también emplea
otros medios como la instalación escultórica y el bordado. Magaly actualmente
vive en San Antonio, Texas y trabaja de forma remota en Diné College en Tsaile,
Arizona.
Declaración
de la artista:
“Al crecer en un hogar mexicano-estadounidense, mi infancia estuvo saturada de la cultura del machismo y el marianismo. La hipermasculinidad rezuma brutalidad, control y mala colonia. Las mujeres apaciguadas y mordaces no hablan, se portan mal y siempre tienen arroz y tortillas en la mesa precisamente a las seis en punto. Las hijas son criadas para someterse a los hombres y se les enseña a fetichizar la pureza y la santidad. Se espera que alimentemos el estómago, el ego y el gusto por la violencia. Con mi trabajo, aprovecho mi experiencia dentro de esta cultura tóxica y brindo un llamado a la acción para las mujeres que no tienen voz para sentirse empoderadas y para los hombres que tienen demasiado que decir para suavizarlos. Las imágenes que utilizo en mi trabajo son: especias de fiesta, fideo, tarjetas de oración, velas, mantas y tortillas. Quiero que estos artículos sean accesibles desde el punto de vista cultural y físico.
Sobre
el artista:
Luke
Cisneros, inició su andadura después de la secundaria que lo llevó a obtener
luego una Maestría. Después de enseñar a estudiantes de pregrado y aprender
continuamente, Cisneros finalmente tuvo la oportunidad de viajar a la India y
adquirir algunos conocimientos de su tiempo allí. Finalmente, regresó a los
Estados Unidos; viajó a Chicago y Nueva York, lo que lo llevó de regreso a
Austin, donde retribuyó a la comunidad en forma de arte.
Declaración
del artista:
Recuerdo que mi abuela iba a la iglesia en St. Julia en Lyons Road en Austin. Recuerdo que no entendía por qué lo hacía todas las semanas. No fue hasta que crecí que comencé a entender. El edificio era viejo y, a veces, se derrumbaba. Estaba construido con materiales ordinarios como cemento, madera y yeso. Sin embargo, con fe, ese viejo edificio se convirtió en la casa de dios de mi abuela. Le dió esperanza cuando no la tenía. Le dió una comunidad cuando la necesitaba. Veo el arte como una forma para mí de encontrar ese tipo de paz ".
Foto: Respect Street Vendedores, Digital, 10 "x 10", 2020. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
Sobre el Artista:
Angel
Ortega, también conocido como Garzig, está fuertemente influenciado por la
música metal, su herencia Mexicax y su amor por rediseñar la cultura pop con un
estilo chic. Todo el trabajo de Angel comienza con un boceto a lápiz que afinan
con un software digital.
Angel
actualmente tiene una pieza de escultura en el Museo Mexic-Arte, Fideo Paleta
Man. Muchas de las técnicas que usó Angel para construir la escultura fueron
enseñadas por su padre y sus mentores de arte.
Declaración
del artista
“El trabajo que presento para Changarreando son piezas que he creado durante 2020. Con estas piezas no solo planeo reproducirlas en un formato tangible, sino que también las he creado digitalmente con animaciones en las obras”.
Barreras/Barriers, (Closeup).
Fabric, Flag, Thread, 33”x60”, 2017.
Sobre el
Artista:
Tina
B. Medina es artista visual y profesora de arte en el campus de Mountain View,
Dallas College. Obtuvo su licenciatura en Bellas Artes en la Texas Tech
University y su Maestría en Bellas Artes en la Universidad del Norte de
Texas. El arte de Medina se ha exhibido a nivel nacional en exposiciones
como Inmigración, Migración, Movimiento y Humanidades en la
Universidad Estatal de Arizona, y se ha exhibido en la Galería América del
Instituto de Estudios Latinos de la Universidad de Notre Dame,
Indiana. Medina ha comisariado varias exhibiciones que incluyen Artistas
Latinoamericanos Contemporáneos del Metroplex en los campus de
Richland y Brookhaven y ELLA: Exhibición de Artistas Latinas Locales en
el Centro Cultural Latino de Dallas. Fue miembro de la galería 500X
cooperativa dirigida por artistas más antigua de Texas durante cinco años y
ocasionalmente forma parte de los comités de arte público de la ciudad de
Dallas.
Declaración
del artista
“Me veo obligada a hacer arte que hable sobre los problemas actuales de nuestro país al representar y retratar el punto de vista de los inmigrantes y las personas de color. Las luchas y las continuas barreras impuestas a las personas de color en los Estados Unidos me motivan a crear obras desde el punto de vista de quienes han sufrido racismo, intolerancia y xenofobia. Parte de la experiencia para POC es cómo intentamos ubicarnos dentro de una referencia histórica que nunca tuvo la intención de incluirnos. Nuestra historia pasada y presente influye en cómo percibimos a los demás, así como en cómo nos percibimos a nosotros mismos. Quiero amplificar las voces de mujeres y familias que tienen poco poder en nuestro país debido a una opresión histórica y continua. Mis obras de arte hablan sobre el poder y las consecuencias no deseadas de la colonización y la asimilación. Encuentro esencial volver a visitar la historia de los Estados Unidos para recordarnos cómo el pasado informa y da forma al presente. Apliqué muchos métodos de creación artística para traducir mis ideas. Por ejemplo, puedo grabar voces de personas, o bordar telas, realizar físicamente una acción o instalar una instalación específica del sitio. Me encantan los objetos encontrados y la historia que acumulan, así como el significado que les damos, por lo que a menudo los incorporo a mi trabajo. La mayor parte de mi inspiración proviene de la historia y la identidad culturales, incluido el género, la etnia, la nacionalidad, la ascendencia y la clase ". Me encantan los objetos encontrados y la historia que acumulan, así como el significado que les damos, por lo que a menudo los incorporo a mi trabajo.
°°°
Sobre el Artista
David Luna nació el 5 de agosto de 1991, bajo una luna creciente menguante. Se familiarizó con el dibujo cuando su madre le dio libertad en forma de bolígrafo, antes de que pudiera hablar. Su primera inspiración fue el Dr. Suess y su mundo de formas rizadas y coloridas. Cuando las cosas se volvieron turbulentas, encontró serenidad en la creación de mundos propios. Creó su primer cómic mientras estaba en sexto grado y creó su primera animación en Photoshop durante la escuela secundaria en una zona rural de Delaware. Antes de 2006, David había vivido en diferentes lugares cada año. Su infancia fue otoños en Connecticut, alquiler de Godzilla VHS, perseguir libélulas en Kissimmee, Disney World y Universal Studios, veranos en Maine, obsesionarse con Pokémon y Digimon, ver Looney Tunes y ver Mt. Rainiero desde la ventana de su cocina, viviendo en Santa Rosa y pasando por la casa de Charles Schultz,
Mientras estaba en la Universidad Full Sail, se sorprendió al descubrir que pocas personas en el programa de animación practicaban alguna forma de arte fuera de la escuela. Aprendió más a lo largo de sus cursos del programa de animación 2D. Cuando terminó, lo que más se quedó con él fue la importancia del desarrollo del personaje, por lo que, naturalmente, abandonó la escuela y exploró la escena de la comedia de Orlando.
Después de seis meses de frecuentar los micrófonos abiertos con los mejores de Orlando, regresó al condado de Sussex, Delaware, donde se centró más en la comedia y la organización dentro de la escena. Estos también fueron dos años de no centrarse en dibujos animados y cómics. No dibujar estaba carcomiendo su alma, así que volvió a dibujar y no ha parado desde entonces. Hoy, dirige un negocio de limpieza en el que hace sus propios horarios. Agradece a sus clientes y sus experiencias, pero no puede negar cuánto anhela que las ilustraciones sean una parte más importante de su vida.
Declaración del artista
“Soy un caricaturista estadounidense que trabaja en el espíritu de los medios de los cómics con un enfoque actual en tarjetas y dibujos animados. Mi estilo está fuertemente inspirado en las caricaturas y el arte al que estuve expuesto al crecer en los estados de Estados Unidos y México. Destaco la línea de dibujos animados con formas que se mueven o posan con determinación, siempre como reflejo de un estado de ánimo o evento de la realidad. Las expresiones de mis personajes son exageraciones de formas del mundo real o, a veces, representaciones completamente simbólicas de figuras y conceptos históricos y contemporáneos. Los cómics son una forma clara de reflexionar sobre una situación universal, y la presencia de un cómic puede proporcionar un punto de referencia y, en última instancia, una catarsis, generalmente a través de la narración o la interpretación de un chiste.
Me atraen los motivos y la moda mexicana y americana, y mi baraja de cartas originales del tarot “Lotería del Sol: El Tarot mexicano” es el ejemplo más obvio de esto en mi trabajo. Mi decisión de hacer una baraja de tarot fue influenciada principalmente por los juegos de Lotería en México y por la necesidad de compartir una serie de ilustraciones que se sintieran completas y cumplieran un propósito. Mi baraja es la primera en fusionar el sistema del tarot con los iconos de la Lotería desde que las respectivas tradiciones de cartas surgieron por primera vez como juegos durante el Renacimiento. La línea en mi baraja fue tiene una elección informada por los estudios de dibujo de cartas de la baraja Smith-Waite que un estilo de línea similar a los contornos audaces de Thomas Hart Benton, un contemporáneo de Pamela Coleman Smith que se refirió a sus propios contornos murales como "Dibujos animados". La interpretación cabalística del tarot proporciona una base completa para comprender las situaciones y los personajes atemporales de la vida. He llegado a ver la creación de tarjetas y los dibujos animados como una forma de sintetizar la cultura de la época en nuevos arquetipos e historias ".
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Cynthia Jane Treviño
Jesusita y Martin, Cyanotype on Fabric, 8.5 ″ x 11 ″ / 2017.
Sobre la Artista:
Cynthia Jane Treviño es artista, educadora y Tejana de San Antonio, Texas. Cynthia tiene un BFA en Estudios de Artes Visuales y una Maestría en Educación Artística de la Universidad de Texas en Austin. Ha enseñado en escuelas y organizaciones en Texas, Oregon, Gambia (África Occidental) y Santiago, Chile. Cynthia ha expuesto en Newspace Center for Photography, Mexic-Arte Museum, The Movement Gallery, The Parish y Centro Cultural Aztlan.
Declaración de la
artista
“Mi interés por la fotografía comenzó cuando era niña, hojeando los álbumes de fotos de mi padre. Me fascinaron especialmente las imágenes de mis abuelos y bisabuelos. Incluso si nunca nos habíamos conocido o yo era demasiado joven para recordar, todavía sentía una conexión espiritual con ellos. Estas fotografías tuvieron una influencia significativa en mi obra de arte. Desarrollé una pasión por viajar y explorar mi ascendencia. Mi trabajo es una mezcla de fotografía de viajes y calle. Disfruto documentando personas y lugares de diversas culturas. Me gusta explorar los estudios de Chicana / Tejana, la historia familiar, el culto a los antepasados y el empoderamiento de las mujeres. Trabajo en medios digitales y cinematográficos, además de cianotipos, collage y técnica mixta. También soy un educador de arte experimentado y he enseñado a niños de todas las edades.
La ansiedad no llama a mi puerta, Óleo sobre panel, 46 1⁄2 "x 32", 2018. (imágen obtenida de la web de Mexic-Arte Museum)
La artista conceptual mexicoamericana / italoamericana Jennifer Battaglia, que actualmente vive en Houston, Texas, nació en El Paso, Texas, en 1987. Recibió su licenciatura en producción de medios de la Universidad de Houston, donde se concentró en fotografía, video y diseño gráfico. Actualmente trabaja como editora de medios de la popular publicación de arte en línea de Texas, Glasstire. Battaglia utiliza medios tradicionales y digitales (collage y ensamblaje, y video y fotografía digitales) para seleccionar las conexiones entre la mente subconsciente y las experiencias cotidianas asociadas con los avances tecnológicos, los cambios en los valores familiares y las normas sociales y los eventos actuales. Cada experiencia se ve reforzada por la mente ansiosa para formar una realidad alternativa que es hipernostálgica pero desconocida.
Declaración de la artista:
“Washed Up” es una serie de fotos y videos en curso que se concentra en la idea de igualdad a través de fronteras y cuerpos de agua. Cada fotografía de la serie inicia un vínculo entre la siguiente fotografía, comunicando visualmente la conexión humana a través de diferentes frentes de agua.
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Artista "Changarreando" en Noviembre 2020
Luis Coss
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Artista "Changarreando" en Octubre 2020
Michelle Cuevas
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Artista "Changarreando" en Septiembre 2020
Peso Zapata (born Alex Zapata July 25, 1991 in Stockton, California) I’m an American painter, photographer, and sculptor currently living in Houston, Texas. Peso Zapata is most known for his depictions of Latin and US-related topics using pop art as a reference. Quoting Emiliano Zapata “I’d rather die on my feet, than live on my knees.” Peso Zapata interprets it as “die with dignity and live life the way you want, rather than live serving people without self respect to yourself.” Self-identity had always been a constant battle for the artist growing up, proving himself Mexican or American enough and as a result, struggling to accept his own cultural identity. “My current practice is not medium specific but engages with particular social and public issues. I scavenge discarded material and objects in the street and use them as a base for my work. My source imagery is derived from multiple news media photographs of current situations targeting people of color. I look to employ artwork as a weapon in the fight for human rights against violence and ongoing injustice. Human rights can no longer be thought of as separate and belonging to a privileged few, but rather that these rights are all interrelated, interdependent and indivisible for all. It’s in the constitution, right there in back and white. Liberty and justice for all. I believe my work will help to foster these important conversations worldwide and invite artists to add their voice. Art can inspire change and bring people together, crossing the borders of cultures and languages. For some, the United States is a true meaning of the “American Dream”, yet, for many individuals, basic human and civil rights are reduced and jeopardized with a judicial system that has crumbled confidence and trust, and with racism fathered through groups that have inherent power to institutionalize prejudice in the forms of laws, policies, and beliefs that exclude and oppress others.”
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Artista "Changarreando" en Agosto 2020:
Artistas "Changarreando" en Julio 2020:
Savannah Díaz. Currently based in Austin, Texas, Savannah Diaz is a visual artist whose works center on themes of her childhood and maternal energies. Born and raised in a largely Latinx community in Miami, Florida, her work is informed by and focused on revisiting memories of growing up in a Cuban-American household. Since 2017, Savannah has been exploring different mediums including wood work, wax sculpture, and digital collage. She is currently focusing on painting.
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